Lorsqu'il s'agit d'écrire de la musique, une mélodie mémorable est l'une des choses les plus importantes qui vous permettra de vous connecter avec l'auditence.

C'est une excellente nouvelle, non ? Mais la question est : comment apprendre à écrire une mélodie accrocheuse ?

Dans cet article, je vais vous montrer plusieurs techniques que vous pouvez utiliser pour améliorer chaque mélodie que vous écrivez, parce que lorsqu'il s'agit de chansons, c'est la mélodie qui laisse une trace et vous aide à vous souvenir facilement d'une chanson.

Il existe plusieurs facteurs tels que l'arrangement de la chanson, l'instrumentation, le rythme, l'harmonie et le tempo qui déterminent une bonne mélodie. L'affaire est qu'il n'existe pas de règle unique qui résoudra tous vos problèmes lorsqu'il s'agit de développer des idées mélodiques.

Si vous prêtez attention à la plupart des mélodies, vous remarquerez qu'il existe des techniques communes qui ont été utilisées à maintes reprises pour renforcer la puissance de la mélodie et rendre la chanson intéressante.

Une chose que vous avez sans doute entendue des millions de fois et qui est vraie, c'est que les meilleures mélodies sont généralement les plus simples.

Vous voyez donc que des choses simples comme l'intention, l'émotion et l'exécution jouent un rôle important dans une mélodie.

Alors, comment faire pour garder les choses intéressantes lorsqu'il s'agit de créer une mélodie?

Voici quelques exemples de la façon dont les artistes ont utilisé des variations mélodiques dans leurs chansons. N'oubliez pas ces quatre éléments importants lorsque vous écrivez une mélodie mémorable :

J'aborderai chacun de ces points, mais permettez-moi d'ajouter quelques conseils supplémentaires qui vous aideront dans votre démarche.

Une bonne façon de commencer à improviser est de faire un brainstorming de mélodies et de choisir les plus fortes. C'est une façon de commencer vos morceaux à partir d'une mélodie forte et d'une progression d'accords.

C'est une mélodie simple qui n'utilise que deux notes différentes - et pourtant elle est devenue l'un des morceaux les plus connus de l'histoire de la musique classique.

Si vous remarquez ce qui la rend si remarquable, c'est la répétition de la mélodie et la puissance de l'interprétation lorsqu'elle apparaît pour la première fois.

Dès le début, vous n'entendez rien d'autre que cette mélodie qui prend la forme d'une question-réponse, un instrument répondant à l'autre et apportant de légères variations à la mélodie originale.

Ça nous permet de savoir que la répétition est l'une des premières choses auxquelles il faut prêter attention lors de la construction de mélodies si vous voulez que votre auditeur se souvienne de votre musique.

Pour qu'une mélodie soit mémorable, elle doit avoir un thème récurrent, également appelé motif. Vous vous souvenez de la chanson de la 5e symphonie de Beethoven, le célèbre Ta Ta Ta Daaaa?

C'est une mélodie simple qui n'utilise que deux notes différentes - et pourtant elle est devenue l'un des morceaux les plus connus de l'histoire de la musique classique.

Si vous remarquez ce qui la rend si remarquable, c'est la répétition de la mélodie et la puissance de l'interprétation lorsqu'elle apparaît pour la première fois.

Dès le début, vous n'entendez rien d'autre que cette mélodie qui prend la forme d'une question-réponse, un instrument répondant à l'autre et apportant de légères variations à la mélodie originale.

Ça nous permet de savoir que la répétition est l'une des premières choses auxquelles il faut prêter attention lors de la construction de mélodies si vous voulez que votre auditeur se souvienne de votre musique.

La variation, quant à elle, est un outil qui permet de rappeler à l'auditeur le thème original et d'introduire plus d'action et d'instabilité. Écouter exactement la même chose peut devenir plutôt ennuyeux.

Pour renforcer le point sur la répétition et la variation, ainsi que pour introduire notre prochaine technique, la forme " Call and Response " (également connue sous le nom de question-réponse).

La question et la réponse sont une façon de jouer avec la tension et la libération musicale. Vous créez une tension en posant la question puis vous la résolvez en y répondant.

Vous pouvez créer cette tension et ce relâchement dans une mélodie en évitant d'utiliser les notes d'un accord. Ce sont les 1er, 3e et 5e degrés de l'accord actuel.

En terminant sur une note de transition (qui ne fait pas partie de l'accord), vous créez une tension qui peut être restabilisée.

Parfois, lorsque vous ajoutez du rythme à votre progression, votre esprit vous donne une idée de la mélodie.

Essayez de faire une batterie pour votre progression d'accords en enlevant la mélodie. Une autre façon d'ajouter du rythme peut être de rendre votre progression plus rythmée.

Si vous parvenez à créer un bon groove, il y a de fortes chances qu'une mélodie vous vienne inconsciemment à l'esprit.

Si vous n'arrivez toujours pas à trouver une mélodie, essayez d'improviser sur votre propre progression d'accords avec un instrument que vous maîtrisez bien, en utilisant votre voix.

Pour faciliter l'improvisation, vous pouvez essayer de transposer votre progression d'accords dans une gamme qui vous est familière.

L'interprétation est cet ineffable facteur Wow que le musicien apporte à votre mélodie une fois qu'elle a été écrite (si vous êtes celui qui chante votre mélodie, alors vous devez apporter ce facteur Wow).

L'interprétation d'une chanson a cappella peut également vous aider, vous ou l'auditeur, à vous concentrer sur les mots et le message qui se cache derrière le morceau.

Une autre tactique consiste à créer des progressions d'accords et à introduire des mélodies en douce grâce à la vélocité. Si vous rendez une note plus forte, elle attirera l'attention de l'auditeur.

Si vous travaillez avec des instruments virutels, c'est doublement important.

Si vous recherchez un son plus dense, essayez d'insérer des notes autour de vos accords. Pour séparer votre mélodie de la progression, vous pouvez l'élever d'une octave.

Vous pouvez également essayer de jouer avec des accords étendus (7e, 9e, 11e, 13e). Cela rendra votre progression plus jazzy et ces notes supplémentaires peuvent ajouter de la valeur.

Afin de développer de meilleures compétences en matière d'écriture de mélodies, essayez de vous concentrer sur ces quatre techniques universelles.

Il y a de fortes chances que vous les utilisiez déjà occasionnellement sans vous en rendre compte :

Une bonne pratique consiste à commencer à écouter chacun de ces éléments dans les chansons que vous aimez et cela vous aidera à développer un système qui fonctionne pour vous et facilite votre processus d'écriture de chansons.

Vous pouvez vous poser des questions telles que :

Si vous êtes bloqué dans vos réponses, vous devrez peut-être demander à des amis de vous aider à répondre à certaines d'entre elles.

Si vous ne répondez pas oui à chacune de ces questions, continuez à vérifier votre mélodie pour l'améliorer grâce à chaque conseil mentionné.

Une bonne chose à retenir est de ne pas trop compliquer les choses !

Pour ne pas déstabiliser vos auditeurs, votre mélodie doit également convenir à votre chanson.

Continuez à essayer et tirez parti de ces techniques simples pour écrire de meilleures mélodies, inspirez-vous des grands succès que vous aimez et de la façon dont ils utilisent ces astuces et intégrez ce que vous apprenez dans votre propre processus d'écriture de chansons.

Très vite, vous vous surprendrez à créer des mélodies accrocheuses et des chansons mémorables plus facilement que jamais, et vous épaterez tout le monde!