Depuis que le film avec musique existe, la façon de vivre les émotions en écoutant un long-métrage a changé. En fait, tout a changé.

La musique peut évoquer des émotions/souvenirs profonds, renforcer les thèmes et capter l'audience dès les premières notes.

Mais quelle science y-a-t-il derrière la composition? Est-ce le thème seulement? Un instrument spécifique? Un accord de choix?

Je peux dire que c'est une combinaison de toutes ces choses.

Dans cet article, je vais parler de techniques de composition pour pousser les émotions plus loin pour votre prochain film à scorer.

Prenez quelques minutes de votre temps pour écouter cette scène qui est un bon souvenir!

Ah là là! Quelle trilogie pareil!

Le thème de la Comté dans la trilogie du "Seigneur des Anneaux" évoque la paix, la simplicité et l'innocence de la vie des Hobbits dans la Comté.

Ce thème est joué avec des instruments acoustiques tels que la flûte, le violon et le violoncelle, donnant une ambiance chaleureuse et accueillante. Les mélodies douces et enjouées reflètent l'atmosphère de la Comté, avec ses collines, ses fermes paisibles et ses habitants joyeux.

L'impact émotionnel du thème de la Comté donne un sentiment de nostalgie et de confort chez le public. Pour les personnages du film, la Comté représente un havre de paix et de sécurité où le foyer et la sécurité dominent. Chaque fois que le thème de la Comté est entendu, ça rappelle l'importance de cette terre bien-aimée pour les personnages principaux et renforce leur désir de la protéger.

Le thème de la Comté est récurrent tout au long de la trilogie du "Seigneur des Anneaux", apparaissant à plusieurs moments clés. Par exemple, il est entendu quand Frodon et les autres quittent la Comté pour la première fois, symbolisant le début de leur quête épique. Pareil, il est réintroduit à la fin du troisième film, "Le Retour du Roi", quand Frodon retourne finalement dans la Comté après avoir battu Sauron, ce qui marque son retour à la maison.

En résumé, le thème de la Comté offre un large éventail d'émotions chez le public, de la nostalgie à la joie en passant par le réconfort. Son utilisation récurrente tout au long de la trilogie renforce l'importance émotionnelle de la terre des Hobbits dans l'histoire et offre une continuité émotionnelle tout au long du voyage.

L'émotion que vous voulez générer va dépendre de la scène que vous avez. Aussi, toutes les émotions vont être vécues différement. Mine de rien, c'est un pont important entre le tempo et le rythme exécutés.

Ici, je vais prendre un exemple de Mad Max.

Qui dit Mad Max dit désert et voitures, mais aussi des poursuites en voiture.

Et des poursuites, c'est de la tension, du stress et de l'action! Donc, place à un rythme rapide.

Dans le film, il y a une séquence de poursuite en voiture qui dure une grande partie.

Déjà au début, les percussions frappent pour indiquer l'intensité.

Après, les cordes et les synthés ont un motif rapide en staccato, qui est assez approprié pour créer du stress.

Mais avant tout, le monde avant qu'ils se lançent à la poursuite, ils discutent et planifient. Monis de rythme, mais on peut anticiper ce qui est à venir.

Les portions mélodiques se font aussi rares au profit de l'action et des percussions avec cordes syncopés.

Ça et une tonne de sound design !

Cette utilisation de tempo et de rythme dans "Mad Max: Fury Road" contribue à créer une expérience immersive pour le spectateur amplifiant l'excitation et l'adrénaline de la séquence d'action tout en renforçant l'impact émotionnel du film.

Un exemple d'utilisation de la dissonance et de la consonance dans un film pour créer une atmosphère de suspense est dans le film "Psychose" avec la célèbre scène de la douche.

Dans cette scène marquante, la musique joue un gros rôle pour construire la tension et l'angoisse. La dissonance est là pour amplifier le sentiment de danger et d'horreur que le personnage principal et le public ressentent.

Quand la femme va dans la douche, la musique commence par des accords consonants pourune atmosphère relativement calme et innocente. Mais aussitôt que la tension monte et que l'attaque commence, la musique va rapidement vers des accords dissonants et discordants.

Les accords dissonants créent un sentiment de malaise et d'urgence pour beurrer l'effet choquant de la scène. La dissonance musicale contribue à amplifier l'horreur de la situation avec une couche supplémentaire d'intensité.

Une coupe de secondes plus tard, quand le meutrier se sauve, la musique revient progressivement à des accords plus consonants une forme de résolution ou de soulagement. Cette transition de la dissonance à la consonance souligne la dynamique de la scène et renforce l'impact psychologique sur le public.

Tout ça crée une atmosphère de disonance pour une scène que le monde est loin d'oublier!

Ça peut faire suite à ce qui a déjà été dit, mais créer une tension jusqu'à une libération à cause du moment le plus intense peut amplifier les émotions d'une scène. Et pour ça, j'ai le parfait exemple!

Vous sentez le moment que le colonel se lève que la tension est à venir.

La tension est là à cause du crecrendo et du tremolo de corde. Le fade-in pendant le monologue en français montre que quelque chose de pas très attrayant va se passer sous peu. Dans cet exemple, c'est littéralement les refugiés sous le planche qui va se faire pow-pow!

L'entrée des cuivres, qui sont des instruments très fort à la base, vient frapper les oreilles de l'auditeur au même moment que les bruits de fusils. Et la tension va se poursuivre jusqu'à tant que la jeune fille s'échappe et court dans le champ. Mention à l'entrée des choeurs aussi!

Et la libération va s'installer dans la scène suivante.

Tout ça pour dire que dans un film, il y va des moments de tensions qui vont conduire à de la libération et vice-versa. Tarantino a bien compris ça si vous êtes un amateur de ses films!

Les motifs harmoniques, tels que les accords et les progressions d'accords, peuvent être utilisés pour symboliser des concepts ou des émotions spécifiques dans un film.

Par exemple, dans une scène de romance, le compositeur peut utiliser des accords majeurs et des progressions d'accords douces et fluides pour créer une atmosphère de passion et de romance.

À l'inverse, dans une scène d'action, des accords mineurs et des progressions d'accords instables peuvent être utilisés pour renforcer le sentiment de danger et d'incertitude.

Dans "Titanic", la scène emblématique où Jack et Rose sont ensemble sur le pont du navire est imprégnée d'une atmosphère romantique.

La musique utilise des motifs harmoniques doux et mélodieux pour évoquer l'amour naissant entre les deux personnages. Les accords de piano et de cordes, joués avec une délicatesse, créent une ambiance intime et envoûtante qui capture parfaitement l'esprit de la romance tragique du film.

N'oubliez jamais que l'harmonie est une des fondations d'un bon morceau avec la mélodie et le rythme!

Comme vous avez pu voir, amplifier des émotions dans un film, ça ne se fait pas juste d'une façon. De plus, vous pourriez avoir des préférences quant à comment vous rajoutez de l'impact.

Personnellement, j'ai une préférence pour la dissonance/consonance et la libération/tension.

Mais encore une fois, votre meilleur allié pour faire une musique émotive sert votre capacité à déceler les émotions derrière l'image.

Quand vous regardez le film/la scène, vous êtes en mesure de déceler ce que les personnages vivent, le contexte et l'atmosphère instaurée.

De ce fait, vous serez capables de savoir quelles techniques vous pourrez utiliser pour amplifier l'émotion du film.